Colección de arte contemporáneo

Exposición del fondo artístico de la Universidad

Miradas

Arte de los siglos XIX y XX

Con motivo de los 25 años de la Universitat Internacional de Catalunya reunimos en esta exposición una buena parte de las obras que forman la colección de arte de esta institución.

Una colección que comenzó en 1997, con los inicios de UIC Barcelona, con la idea de contribuir al enriquecimiento cultural de la comunidad universitaria y sensibilizarla acerca de la creación artística. Con el impulso del Patronato Universitario y un grupo de galeristas, críticos y agentes culturales se fueron perfilando los criterios de selección y adquisición de las obras.

Para esta muestra, hemos elegido un cuadro representativo de cada artista de los que conforman la colección. El cuadro Sin título, de Nacho Amor, que se encuentra en el comedor del rector, por su tamaño no está expuesto, pero ha sido seleccionado como imagen principal en la comunicación y difusión de la exposición.

En los últimos meses, algunas obras de finales del siglo XIX y principios del XX han sido incorporadas al fondo artístico de la Universidad y se exponen aquí por primera vez.

Amor_Nacho-Sense_titol

Nacho Amor

Barcelona, 1958

Sin título
2006

Técnica mixta sobre tela
80 x 300 cm

Nacho Amor, residente en Sant Cugat del Vallès desde 1994, es un pintor profesional que prioriza el paisajismo enigmático y romántico y, anteriormente, restaurador de piezas de arte. Amor trabajó cinco años en Italia y después en España como restaurador. Ha realizado numerosas exposiciones individuales tales como: en 2001, en 2002, en 2004 y en 2006 en la Sala Parés (Barcelona), en 2003 y en 2005 en la Galería Jorge Alcolea (Madrid). También ha participado en otras exposiciones colectivas como las de la Fundación Codespa, que en 1996 se hizo en el Círculo Ecuestre de Barcelona, y en 1998 y en 2000 en el Hotel Majestic de la misma ciudad. Sus obras, que plasman diversos tonos lumínicos mezclados con sombras y claroscuros, también han alcanzado territorio extranjero, concretamente en Milán, con las exposiciones “Spagna, il colore della passione” de 2005 y “Animalia” de 2004.

Cabanach_Xavier_A_Barcelona_hi_ha_la_UIC

Xavier Cabanach Padrosa

Barcelona, 1937

En Barcelona está la UIC
2005

Tinta china y acuarela sobre madera
73 x 59 cm

Xavier Cabanach Padrosa es licenciado en Bellas Artes y actualmente compagina su función de docente con la pintura. Su obra es un paisaje geométrico de Barcelona que consigue encajar la armonía cromática con la forma. La mayoría de sus exposiciones se han realizado en los alrededores de Barcelona. Algunas de estas son: en 1983, 1984 y 1990 en la Negre Sala de Arte de Sabadell, en 1989 en el Hotel Princesa Sofía de Barcelona y en 1993 en la Sala Rusiñol de Sant Cugat del Vallès.

Jordi Cano

Vic, 1954-2020

Luz + luz III
1996

Técnica mixta sobre tela
150 x 150 cm

Jordi Cano nació en 1954 en Vic y fue pintor, grabador, actor y pedagogo. Se dedicó al mundo artístico hasta el 2000; después fue profesor en la Escuela Elisava y en la Universidad Pompeu Fabra. Las obras de Cano llegaron mucho más allá de la Plana de Vic y se expusieron en la Galería Ruben Forni de Bruselas, en la Galería Lelia Mordoch de París y en Caldic Collectie de Rotterdam, entre muchas otras. Sus colecciones se encuentran en importantes instituciones como el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona, la Fundación “La Caixa”, la Fundación Coca-Cola y el Caldic Collectie de Rotterdam. En 2020, víctima de la COVID-19, Jordi Cano murió a los 65 años y el pasado 2022 ACVic Centro de Artes Contemporáneas le rindió homenaje con una exposición.

Capdevila_Nuria-Planeta_II

Núria Capdevila Arús

Barcelona, 1963

Planeta II
2004

Técnica mixta sobre tela
100 x 100 cm

Nuria Capdevila Arús, nacida en 1963 en Barcelona, es licenciada en Bellas Artes y especializada en pintura por la Universidad de Barcelona. Posteriormente, estudió un posgrado en grabados y durante su etapa de formación obtuvo numerosas becas en diferentes países tales como: Alemania, Escocia, Inglaterra y España. También ha ganado varios concursos de pintura, entre los que es importante destacar la obtención de los primeros premios en la segunda competición de Pintura Agrupación Mutua en 1996, el Banco de Vizcaya en 1987 y el Club Turó Blanc el mismo año, todas en Barcelona. Actualmente es la creadora y directora del Taller del Artista. Tiene obra en el hotel Melià Sarrià y en el Hotel Arts y es creadora del libro de artista Ánforas, que se puede encontrar en la Biblioteca Nacional de Catalunya. www.eltallerdelartista.com

Núria Capdevila Arús

Barcelona, 1963

Wer N
2004

Técnica mixta sobre tela
100 x 100 cm

Nuria Capdevila Arús, nacida en 1963 en Barcelona, es licenciada en Bellas Artes y especializada en pintura por la Universidad de Barcelona. Posteriormente, estudió un posgrado en grabados y durante su etapa de formación obtuvo numerosas becas en diferentes países tales como: Alemania, Escocia, Inglaterra y España. También ha ganado varios concursos de pintura, entre los que es importante destacar la obtención de los primeros premios en la segunda competición de Pintura Agrupación Mutua en 1996, el Banco de Vizcaya en 1987 y el Club Turó Blanc el mismo año, todas en Barcelona. Actualmente es la creadora y directora del Taller del Artista. Tiene obra en el hotel Melià Sarrià y en el Hotel Arts y es creadora del libro de artista Ánforas, que se puede encontrar en la Biblioteca Nacional de Catalunya. www.eltallerdelartista.com

Capdevila_Nuria-Tormenta

Núria Capdevila Arús

Barcelona, 1963

Tormenta
2004

Técnica mixta sobre tela
100 x 100 cm

Nuria Capdevila Arús, nacida en 1963 en Barcelona, es licenciada en Bellas Artes y especializada en pintura por la Universidad de Barcelona. Posteriormente, estudió un posgrado en grabados y durante su etapa de formación obtuvo numerosas becas en diferentes países tales como: Alemania, Escocia, Inglaterra y España. También ha ganado varios concursos de pintura, entre los que es importante destacar la obtención de los primeros premios en la segunda competición de Pintura Agrupación Mutua en 1996, el Banco de Vizcaya en 1987 y el Club Turó Blanc el mismo año, todas en Barcelona. Actualmente es la creadora y directora del Taller del Artista. Tiene obra en el hotel Melià Sarrià y en el Hotel Arts y es creadora del libro de artista Ánforas, que se puede encontrar en la Biblioteca Nacional de Catalunya. www.eltallerdelartista.com

Núria Capdevila Arús

Barcelona, 1963

Acuoso I
2005

Técnica mixta sobre tela
60 x 60 cm

Nuria Capdevila Arús, nacida en 1963 en Barcelona, es licenciada en Bellas Artes y especializada en pintura por la Universidad de Barcelona. Posteriormente, estudió un posgrado en grabados y durante su etapa de formación obtuvo numerosas becas en diferentes países tales como: Alemania, Escocia, Inglaterra y España. También ha ganado varios concursos de pintura, entre los que es importante destacar la obtención de los primeros premios en la segunda competición de Pintura Agrupación Mutua en 1996, el Banco de Vizcaya en 1987 y el Club Turó Blanc el mismo año, todas en Barcelona. Actualmente es la creadora y directora del Taller del Artista. Tiene obra en el hotel Melià Sarrià y en el Hotel Arts y es creadora del libro de artista Ánforas, que se puede encontrar en la Biblioteca Nacional de Catalunya. www.eltallerdelartista.com

Acuoso II
2005

Técnica mixta sobre tela
60 x 60 cm

Explicación de los cuadros: Acuoso I y II

Quiere buscar en el plano físico el efecto acuoso. Los colores, texturas y veladuras tienen esta intención. Plasmar la sustancia líquida dentro de su transformación de estado. El estado acuoso donde transitan las emociones.

Casanoves_Esteve-Casa_inclinada

Esteve Casanoves

Oristà, 1953

Casa inclinada
1996

Acuarela sobre laca
150 x 150 cm

Esteve Casanoves es un pintor y escultor catalán. El aire de fragilidad y transparencia destacan en sus obras, con un lenguaje que recuerda la magia. La tridimensionalidad no necesita ser reproducida, sino que la mente humana ya lo hace y de una manera totalmente diferente en cada espectador. Ha expuesto en varios países, especialmente en España y México, donde fue invitado como profesor en las universidades de México D. F. o de Guanajuato. Aquí tiene obras en la Casa Solleric de Mallorca (2000), en la exposición del Museo Contemporáneo de Tarragona (2000), en la exposición del Museo de la Obra Gráfica en San Clemente (2012) y la Exposición Antonio Pérez en Cuenca (2012). Destaca su colaboración y participación en la Exposición Bienal del Centro Europeo de Arte Contemporáneo en Venecia (2019).

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Pere de Ribot

Girona, 1962

Serie Rizomata
1994

Óleo sobre cartón
30 x 23 cm

Pere de Ribot es un artista que siempre se ha sentido atraído por la belleza y la armonía que transmite el mundo del arte. Después de viajar por Europa y hechizado por las joyas románicas y renacentistas, estudió en la Facultad de Bellas Artes. En 1986, mientras aún estaba cursando sus estudios, se le abrió la puerta de poder exponer en la feria de arte contemporáneo de Madrid ARCO. Es a partir de esta primera exposición cuando sus obras comienzan a jugar con la dualidad temporal. Se refleja “el impulso de la juventud” al tiempo que “adquieren trazas claras de madurez”. Con el paso del tiempo, sus composiciones han ido evolucionando, al igual que lo ha hecho su visión del ser humano. Desde sus inicios hasta la actualidad, el artista gerundense ha mostrado su obra en más de doscientas exposiciones, como la Marrakech Art Fair, la “Exposition Européene de Peinture et de Sculpture en París”, o “Inmersión” en la Galería Esther Montoriol de Barcelona. De Ribot se ha convertido en un artista con reconocimiento internacional. Ha organizado y promovido exposiciones de jóvenes creadores y ha trabajado como coordinador de la colección de Arte Contemporáneo de la Universitat Internacional de Catalunya, además de impartir clases en seminarios y el máster de Gestión Cultural de esta universidad. Un rasgo característico de las obras de Ribot es la clara conexión que existe entre el artista y la pieza. La luz, los colores, la universalidad de su lenguaje... son elementos que se relacionan con su vida y que transportan al observador a un espacio que va mucho más allá de todo lo que es estrictamente visible.

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Pere de Ribot

Girona, 1962

Sin título
1995

Óleo sobre tela
145 x 180 cm

Pere de Ribot es un artista que siempre se ha sentido atraído por la belleza y la armonía que transmite el mundo del arte. Después de viajar por Europa y hechizado por las joyas románicas y renacentistas, estudió en la Facultad de Bellas Artes. En 1986, mientras aún estaba cursando sus estudios, se le abrió la puerta de poder exponer en la feria de arte contemporáneo de Madrid ARCO. Es a partir de esta primera exposición cuando sus obras comienzan a jugar con la dualidad temporal. Se refleja “el impulso de la juventud” al tiempo que “adquieren trazas claras de madurez”. Con el paso del tiempo, sus composiciones han ido evolucionando, al igual que lo ha hecho su visión del ser humano. Desde sus inicios hasta la actualidad, el artista gerundense ha mostrado su obra en más de doscientas exposiciones, como la Marrakech Art Fair, la “Exposition Européene de Peinture et de Sculpture en París”, o “Inmersión” en la Galería Esther Montoriol de Barcelona. De Ribot se ha convertido en un artista con reconocimiento internacional. Ha organizado y promovido exposiciones de jóvenes creadores y ha trabajado como coordinador de la colección de Arte Contemporáneo de la Universitat Internacional de Catalunya, además de impartir clases en seminarios y el máster de Gestión Cultural de esta universidad. Un rasgo característico de las obras de Ribot es la clara conexión que existe entre el artista y la pieza. La luz, los colores, la universalidad de su lenguaje... son elementos que se relacionan con su vida y que transportan al observador a un espacio que va mucho más allá de todo lo que es estrictamente visible.

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Pere de Ribot​

Girona, 1962

Paisaje
1998

Óleo sobre tela
50 x 50 cm

Pere de Ribot es un artista que siempre se ha sentido atraído por la belleza y la armonía que transmite el mundo del arte. Después de viajar por Europa y hechizado por las joyas románicas y renacentistas, estudió en la Facultad de Bellas Artes. En 1986, mientras aún estaba cursando sus estudios, se le abrió la puerta de poder exponer en la feria de arte contemporáneo de Madrid ARCO. Es a partir de esta primera exposición cuando sus obras comienzan a jugar con la dualidad temporal. Se refleja “el impulso de la juventud” al tiempo que “adquieren trazas claras de madurez”. Con el paso del tiempo, sus composiciones han ido evolucionando, al igual que lo ha hecho su visión del ser humano. Desde sus inicios hasta la actualidad, el artista gerundense ha mostrado su obra en más de doscientas exposiciones, como la Marrakech Art Fair, la “Exposition Européene de Peinture et de Sculpture en París”, o “Inmersión” en la Galería Esther Montoriol de Barcelona. De Ribot se ha convertido en un artista con reconocimiento internacional. Ha organizado y promovido exposiciones de jóvenes creadores y ha trabajado como coordinador de la colección de Arte Contemporáneo de la Universitat Internacional de Catalunya, además de impartir clases en seminarios y el máster de Gestión Cultural de esta universidad. Un rasgo característico de las obras de Ribot es la clara conexión que existe entre el artista y la pieza. La luz, los colores, la universalidad de su lenguaje... son elementos que se relacionan con su vida y que transportan al observador a un espacio que va mucho más allá de todo lo que es estrictamente visible.

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Pere de Ribot​

Girona, 1962

Serie Rizomata
1994

Óleo sobre tela
30 x 23 cm

Pere de Ribot es un artista que siempre se ha sentido atraído por la belleza y la armonía que transmite el mundo del arte. Después de viajar por Europa y hechizado por las joyas románicas y renacentistas, estudió en la Facultad de Bellas Artes. En 1986, mientras aún estaba cursando sus estudios, se le abrió la puerta de poder exponer en la feria de arte contemporáneo de Madrid ARCO. Es a partir de esta primera exposición cuando sus obras comienzan a jugar con la dualidad temporal. Se refleja “el impulso de la juventud” al tiempo que “adquieren trazas claras de madurez”. Con el paso del tiempo, sus composiciones han ido evolucionando, al igual que lo ha hecho su visión del ser humano. Desde sus inicios hasta la actualidad, el artista gerundense ha mostrado su obra en más de doscientas exposiciones, como la Marrakech Art Fair, la “Exposition Européene de Peinture et de Sculpture en París”, o “Inmersión” en la Galería Esther Montoriol de Barcelona. De Ribot se ha convertido en un artista con reconocimiento internacional. Ha organizado y promovido exposiciones de jóvenes creadores y ha trabajado como coordinador de la colección de Arte Contemporáneo de la Universitat Internacional de Catalunya, además de impartir clases en seminarios y el máster de Gestión Cultural de esta universidad. Un rasgo característico de las obras de Ribot es la clara conexión que existe entre el artista y la pieza. La luz, los colores, la universalidad de su lenguaje... son elementos que se relacionan con su vida y que transportan al observador a un espacio que va mucho más allá de todo lo que es estrictamente visible.

de_Ribot_Pere_Serie_Rizomata_2

Pere de Ribot​

Girona, 1962

Serie Rizomata
1994

Óleo sobre cartón
30 x 23 cm

Pere de Ribot es un artista que siempre se ha sentido atraído por la belleza y la armonía que transmite el mundo del arte. Después de viajar por Europa y hechizado por las joyas románicas y renacentistas, estudió en la Facultad de Bellas Artes. En 1986, mientras aún estaba cursando sus estudios, se le abrió la puerta de poder exponer en la feria de arte contemporáneo de Madrid ARCO. Es a partir de esta primera exposición cuando sus obras comienzan a jugar con la dualidad temporal. Se refleja “el impulso de la juventud” al tiempo que “adquieren trazas claras de madurez”. Con el paso del tiempo, sus composiciones han ido evolucionando, al igual que lo ha hecho su visión del ser humano. Desde sus inicios hasta la actualidad, el artista gerundense ha mostrado su obra en más de doscientas exposiciones, como la Marrakech Art Fair, la “Exposition Européene de Peinture et de Sculpture en París”, o “Inmersión” en la Galería Esther Montoriol de Barcelona. De Ribot se ha convertido en un artista con reconocimiento internacional. Ha organizado y promovido exposiciones de jóvenes creadores y ha trabajado como coordinador de la colección de Arte Contemporáneo de la Universitat Internacional de Catalunya, además de impartir clases en seminarios y el máster de Gestión Cultural de esta universidad. Un rasgo característico de las obras de Ribot es la clara conexión que existe entre el artista y la pieza. La luz, los colores, la universalidad de su lenguaje... son elementos que se relacionan con su vida y que transportan al observador a un espacio que va mucho más allá de todo lo que es estrictamente visible.

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Pere de Ribot​

Girona, 1962

Serie Rizomata
1994

Óleo sobre cartón
30 x 23 cm

Pere de Ribot es un artista que siempre se ha sentido atraído por la belleza y la armonía que transmite el mundo del arte. Después de viajar por Europa y hechizado por las joyas románicas y renacentistas, estudió en la Facultad de Bellas Artes. En 1986, mientras aún estaba cursando sus estudios, se le abrió la puerta de poder exponer en la feria de arte contemporáneo de Madrid ARCO. Es a partir de esta primera exposición cuando sus obras comienzan a jugar con la dualidad temporal. Se refleja “el impulso de la juventud” al tiempo que “adquieren trazas claras de madurez”. Con el paso del tiempo, sus composiciones han ido evolucionando, al igual que lo ha hecho su visión del ser humano. Desde sus inicios hasta la actualidad, el artista gerundense ha mostrado su obra en más de doscientas exposiciones, como la Marrakech Art Fair, la “Exposition Européene de Peinture et de Sculpture en París”, o “Inmersión” en la Galería Esther Montoriol de Barcelona. De Ribot se ha convertido en un artista con reconocimiento internacional. Ha organizado y promovido exposiciones de jóvenes creadores y ha trabajado como coordinador de la colección de Arte Contemporáneo de la Universitat Internacional de Catalunya, además de impartir clases en seminarios y el máster de Gestión Cultural de esta universidad. Un rasgo característico de las obras de Ribot es la clara conexión que existe entre el artista y la pieza. La luz, los colores, la universalidad de su lenguaje... son elementos que se relacionan con su vida y que transportan al observador a un espacio que va mucho más allá de todo lo que es estrictamente visible.

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Pere de Ribot​

Girona, 1962

Serie Rizomata
1994

Óleo sobre cartón
104 x 74 cm

Pere de Ribot es un artista que siempre se ha sentido atraído por la belleza y la armonía que transmite el mundo del arte. Después de viajar por Europa y hechizado por las joyas románicas y renacentistas, estudió en la Facultad de Bellas Artes. En 1986, mientras aún estaba cursando sus estudios, se le abrió la puerta de poder exponer en la feria de arte contemporáneo de Madrid ARCO. Es a partir de esta primera exposición cuando sus obras comienzan a jugar con la dualidad temporal. Se refleja “el impulso de la juventud” al tiempo que “adquieren trazas claras de madurez”. Con el paso del tiempo, sus composiciones han ido evolucionando, al igual que lo ha hecho su visión del ser humano. Desde sus inicios hasta la actualidad, el artista gerundense ha mostrado su obra en más de doscientas exposiciones, como la Marrakech Art Fair, la “Exposition Européene de Peinture et de Sculpture en París”, o “Inmersión” en la Galería Esther Montoriol de Barcelona. De Ribot se ha convertido en un artista con reconocimiento internacional. Ha organizado y promovido exposiciones de jóvenes creadores y ha trabajado como coordinador de la colección de Arte Contemporáneo de la Universitat Internacional de Catalunya, además de impartir clases en seminarios y el máster de Gestión Cultural de esta universidad. Un rasgo característico de las obras de Ribot es la clara conexión que existe entre el artista y la pieza. La luz, los colores, la universalidad de su lenguaje... son elementos que se relacionan con su vida y que transportan al observador a un espacio que va mucho más allá de todo lo que es estrictamente visible.

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Pere de Ribot​

Girona, 1962

Serie Rizomata
1994

Óleo sobre cartón
30 x 23 cm

Pere de Ribot es un artista que siempre se ha sentido atraído por la belleza y la armonía que transmite el mundo del arte. Después de viajar por Europa y hechizado por las joyas románicas y renacentistas, estudió en la Facultad de Bellas Artes. En 1986, mientras aún estaba cursando sus estudios, se le abrió la puerta de poder exponer en la feria de arte contemporáneo de Madrid ARCO. Es a partir de esta primera exposición cuando sus obras comienzan a jugar con la dualidad temporal. Se refleja “el impulso de la juventud” al tiempo que “adquieren trazas claras de madurez”. Con el paso del tiempo, sus composiciones han ido evolucionando, al igual que lo ha hecho su visión del ser humano. Desde sus inicios hasta la actualidad, el artista gerundense ha mostrado su obra en más de doscientas exposiciones, como la Marrakech Art Fair, la “Exposition Européene de Peinture et de Sculpture en París”, o “Inmersión” en la Galería Esther Montoriol de Barcelona. De Ribot se ha convertido en un artista con reconocimiento internacional. Ha organizado y promovido exposiciones de jóvenes creadores y ha trabajado como coordinador de la colección de Arte Contemporáneo de la Universitat Internacional de Catalunya, además de impartir clases en seminarios y el máster de Gestión Cultural de esta universidad. Un rasgo característico de las obras de Ribot es la clara conexión que existe entre el artista y la pieza. La luz, los colores, la universalidad de su lenguaje... son elementos que se relacionan con su vida y que transportan al observador a un espacio que va mucho más allá de todo lo que es estrictamente visible.

Pere de Ribot​

Girona, 1962

Paisaje
1998

Óleo sobre tela
50 x 50 cm

Pere de Ribot es un artista que siempre se ha sentido atraído por la belleza y la armonía que transmite el mundo del arte. Después de viajar por Europa y hechizado por las joyas románicas y renacentistas, estudió en la Facultad de Bellas Artes. En 1986, mientras aún estaba cursando sus estudios, se le abrió la puerta de poder exponer en la feria de arte contemporáneo de Madrid ARCO. Es a partir de esta primera exposición cuando sus obras comienzan a jugar con la dualidad temporal. Se refleja “el impulso de la juventud” al tiempo que “adquieren trazas claras de madurez”. Con el paso del tiempo, sus composiciones han ido evolucionando, al igual que lo ha hecho su visión del ser humano. Desde sus inicios hasta la actualidad, el artista gerundense ha mostrado su obra en más de doscientas exposiciones, como la Marrakech Art Fair, la “Exposition Européene de Peinture et de Sculpture en París”, o “Inmersión” en la Galería Esther Montoriol de Barcelona. De Ribot se ha convertido en un artista con reconocimiento internacional. Ha organizado y promovido exposiciones de jóvenes creadores y ha trabajado como coordinador de la colección de Arte Contemporáneo de la Universitat Internacional de Catalunya, además de impartir clases en seminarios y el máster de Gestión Cultural de esta universidad. Un rasgo característico de las obras de Ribot es la clara conexión que existe entre el artista y la pieza. La luz, los colores, la universalidad de su lenguaje... son elementos que se relacionan con su vida y que transportan al observador a un espacio que va mucho más allá de todo lo que es estrictamente visible.

Manuel de Val

Barcelona, 1956-2017

Palabras en el aire caliente
1993

Tinta, hilo y acuarela sobre papel
53 x 25 cm

Manuel de Val creó una obra poliédrica en la que se refleja su vitalidad y visión de la realidad. Siguiendo el legado de artistas como Marcel Duchamp o Man Ray, sus pinturas expresan la centralidad del concepto, de la idea de arte. Como ilustró Jaume Vidal, “De Val hacía arte mientras reflexionaba sobre el arte”. Sus piezas son un diario de viaje donde el artista recreaba sus “eternas obsesiones: la identidad, la autoría, la apropiación, la verdad y la mentira, la manipulación, la simulación, la apariencia, la ironía, los heterónimos y la Mona Lisa”. De Val elaboró una obra única que juega con una gran multiplicidad de estilos, colores y técnicas. Desde el 1988, sus composiciones han sido reconocidas tanto nacional como internacionalmente. Muchos de sus trabajos forman parte de las colecciones de diversas instituciones y galerías de arte como la Galería Esther Montoriol de Barcelona o la Maus Hábitos de Oporto (Portugal).

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Manuel de Val

Barcelona, 1956-2017

Dos globos
1993

Tinta, hilo y acuarela sobre papel
53 x 25 cm

Manuel de Val creó una obra poliédrica en la que se refleja su vitalidad y visión de la realidad. Siguiendo el legado de artistas como Marcel Duchamp o Man Ray, sus pinturas expresan la centralidad del concepto, de la idea de arte. Como ilustró Jaume Vidal, “De Val hacía arte mientras reflexionaba sobre el arte”. Sus piezas son un diario de viaje donde el artista recreaba sus “eternas obsesiones: la identidad, la autoría, la apropiación, la verdad y la mentira, la manipulación, la simulación, la apariencia, la ironía, los heterónimos y la Mona Lisa”. De Val elaboró una obra única que juega con una gran multiplicidad de estilos, colores y técnicas. Desde el 1988, sus composiciones han sido reconocidas tanto nacional como internacionalmente. Muchos de sus trabajos forman parte de las colecciones de diversas instituciones y galerías de arte como la Galería Esther Montoriol de Barcelona o la Maus Hábitos de Oporto (Portugal).

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Manuel de Val

Barcelona, 1956-2017

Sin título
1997

Acrílico sobre tela
30 x 30 cm

Manuel de Val creó una obra poliédrica en la que se refleja su vitalidad y visión de la realidad. Siguiendo el legado de artistas como Marcel Duchamp o Man Ray, sus pinturas expresan la centralidad del concepto, de la idea de arte. Como ilustró Jaume Vidal, “De Val hacía arte mientras reflexionaba sobre el arte”. Sus piezas son un diario de viaje donde el artista recreaba sus “eternas obsesiones: la identidad, la autoría, la apropiación, la verdad y la mentira, la manipulación, la simulación, la apariencia, la ironía, los heterónimos y la Mona Lisa”. De Val elaboró una obra única que juega con una gran multiplicidad de estilos, colores y técnicas. Desde el 1988, sus composiciones han sido reconocidas tanto nacional como internacionalmente. Muchos de sus trabajos forman parte de las colecciones de diversas instituciones y galerías de arte como la Galería Esther Montoriol de Barcelona o la Maus Hábitos de Oporto (Portugal).

Manuel de Val

Barcelona, 1956-2017

Del diario de viaje de un pensador solitario
1997

Acrílico e hilo sobre tela
30 x 30 cm

Manuel de Val creó una obra poliédrica en la que se refleja su vitalidad y visión de la realidad. Siguiendo el legado de artistas como Marcel Duchamp o Man Ray, sus pinturas expresan la centralidad del concepto, de la idea de arte. Como ilustró Jaume Vidal, “De Val hacía arte mientras reflexionaba sobre el arte”. Sus piezas son un diario de viaje donde el artista recreaba sus “eternas obsesiones: la identidad, la autoría, la apropiación, la verdad y la mentira, la manipulación, la simulación, la apariencia, la ironía, los heterónimos y la Mona Lisa”. De Val elaboró una obra única que juega con una gran multiplicidad de estilos, colores y técnicas. Desde el 1988, sus composiciones han sido reconocidas tanto nacional como internacionalmente. Muchos de sus trabajos forman parte de las colecciones de diversas instituciones y galerías de arte como la Galería Esther Montoriol de Barcelona o la Maus Hábitos de Oporto (Portugal).

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Manuel de Val

Barcelona, 1956-2017

Pensador solitario
1997

Técnica mixta e hilo
30 x 30 cm

Manuel de Val creó una obra poliédrica en la que se refleja su vitalidad y visión de la realidad. Siguiendo el legado de artistas como Marcel Duchamp o Man Ray, sus pinturas expresan la centralidad del concepto, de la idea de arte. Como ilustró Jaume Vidal, “De Val hacía arte mientras reflexionaba sobre el arte”. Sus piezas son un diario de viaje donde el artista recreaba sus “eternas obsesiones: la identidad, la autoría, la apropiación, la verdad y la mentira, la manipulación, la simulación, la apariencia, la ironía, los heterónimos y la Mona Lisa”. De Val elaboró una obra única que juega con una gran multiplicidad de estilos, colores y técnicas. Desde el 1988, sus composiciones han sido reconocidas tanto nacional como internacionalmente. Muchos de sus trabajos forman parte de las colecciones de diversas instituciones y galerías de arte como la Galería Esther Montoriol de Barcelona o la Maus Hábitos de Oporto (Portugal).

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Manuel de Val

Barcelona, 1956-2017

Tiempo a la deriva
1996

Acrílico sobre tela
30 x 30 cm

Manuel de Val creó una obra poliédrica en la que se refleja su vitalidad y visión de la realidad. Siguiendo el legado de artistas como Marcel Duchamp o Man Ray, sus pinturas expresan la centralidad del concepto, de la idea de arte. Como ilustró Jaume Vidal, “De Val hacía arte mientras reflexionaba sobre el arte”. Sus piezas son un diario de viaje donde el artista recreaba sus “eternas obsesiones: la identidad, la autoría, la apropiación, la verdad y la mentira, la manipulación, la simulación, la apariencia, la ironía, los heterónimos y la Mona Lisa”. De Val elaboró una obra única que juega con una gran multiplicidad de estilos, colores y técnicas. Desde el 1988, sus composiciones han sido reconocidas tanto nacional como internacionalmente. Muchos de sus trabajos forman parte de las colecciones de diversas instituciones y galerías de arte como la Galería Esther Montoriol de Barcelona o la Maus Hábitos de Oporto (Portugal).

Fortuny_Maria_Acadèmia masculina

Marià Fortuny

Reus, 1838 - Roma, 1874

Academia masculina
Sin fecha

Óleo sobre cartón
28 x 26,5 cm

Marià Fortuny, nacido en 1838 en Reus en una familia de tradición artesanal, es internacionalmente reconocido por su pintura realista y preciosista, de la que destaca La Vicaría (1870). En 1858, después de haber estudiado en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, se trasladó a Roma, a la Academia Chigi. Va anar a la Guerra del Marroc com a corresponsal, on quedà meravellat amb la llum i l’exotisme del nord d’Àfrica, tal com es pot apreciar en una de les seves obres més icòniques com La batalla de Tetuan (1862-1864).

Fortuny_Maria_Retrat_de_l_avi

Marià Fortuny

Reus, 1838 - Roma, 1874

Retrato del abuelo
Sin fecha

Óleo sobre tela
23 x 18,6 cm

Marià Fortuny, nacido en 1838 en Reus en una familia de tradición artesanal, es internacionalmente reconocido por su pintura realista y preciosista, de la que destaca La Vicaría (1870). En 1858, después de haber estudiado en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, se trasladó a Roma, a la Academia Chigi. Va anar a la Guerra del Marroc com a corresponsal, on quedà meravellat amb la llum i l’exotisme del nord d’Àfrica, tal com es pot apreciar en una de les seves obres més icòniques com La batalla de Tetuan (1862-1864).

Carles Gabarró

Barcelona, 1956

Jardín
1993

Óleo sobre tela
150 x 180 cm

Carles Gabarró nació en 1956 en Barcelona. Después de una estancia de dos años en París, en 1985 se graduó en Bellas Artes en la Universidad de Barcelona. Actualmente reside y trabaja en la ciudad condal. La obra de Gabarró se caracteriza por una pincelada enérgica y por emplear colores tierra. Al llarg dels anys ha treballat per sèries temàtiques: la repetició objectual a les marines (“Naufragium”) i als paisatges (“Jardins”), la pèrdua del referent figuratiu (“Magma”), el traç geometritzant (“Poliedres i reticles”), la delectació pels espais fabrils (“La fàbrica”), fins les Vanitas-biblioteques inspirades en el barroc espanyol i que va presentar al Museu de Montserrat. Su exposición más reciente fue en el Centro de Arte Tecla Sala (L'Hospitalet de Llobregat) y anteriormente en el Espacio Guinovart (Agramunt).

Garolera_Carme_Huella_de_otono

Carme Garolera Cornellas

Mataró, 1955

Huella de otoño
2000

Técnica mixta sobre dos paneles de hierro y madera
30 x 60 cm

Carme Garolera nació el 5 de octubre de 1955 en Mataró, el Maresme. Actualmente trabaja como profesora de dibujo artístico y color en la escuela Pau Gargallo de Badalona. Su obra, fuertemente influenciada por el informalismo catalán, pretende transmitir al espectador la brevedad que supone la vida de las personas. Esto lo consigue a través de la estructuración de las líneas y el trazo para trasladarlo a la naturaleza misma. Su exposición más destacada se encuentra de forma permanente en el Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Ginebra. También tiene obras expuestas en el Fondo de Arte de las Naciones Unidas.

Grau_Emma-Jacquard

Emma Grau

Barcelona, 1963

Jacquard
1996

Óleo sobre tela
40 x 40 cm

Emma Grau nació en Barcelona en 1963, donde todavía reside y trabaja. Su pintura pretende devolver al hombre al pasado a través de la nostalgia y de colores apagados pero vivos para llegar a la contradicción. Algunas de sus obras se encuentran en la Galería Javier Román (Málaga) y en la Fundación Villa Casas (Barcelona). No obstant això, és important recalcar que les obres de Grau es van exposar a Els Quatre Gats de Barcelona el 1988, i també a altres galeries de l’estranger, com ara: la Galeria Empire Art de Magúncia, a Alemanya, el 2002 i el 2003; a la Galeria Long and Ryle a Londres el 1993, i al Museu Toulouse-Lautrec a França el 1989, entre moltes altres galeries destacables.

Grau_Emma-Jardi_adamascat

Emma Grau

Barcelona, 1963

Jardín adamascado
1996

Óleo sobre tela
60 x 60 cm

Emma Grau nació en Barcelona en 1963, donde todavía reside y trabaja. Su pintura pretende devolver al hombre al pasado a través de la nostalgia y de colores apagados pero vivos para llegar a la contradicción. Algunas de sus obras se encuentran en la Galería Javier Román (Málaga) y en la Fundación Villa Casas (Barcelona). No obstant això, és important recalcar que les obres de Grau es van exposar a Els Quatre Gats de Barcelona el 1988, i també a altres galeries de l’estranger, com ara: la Galeria Empire Art de Magúncia, a Alemanya, el 2002 i el 2003; a la Galeria Long and Ryle a Londres el 1993, i al Museu Toulouse-Lautrec a França el 1989, entre moltes altres galeries destacables.

Emma Grau

Barcelona, 1963

Recopilaciones íntimas
1996

Óleo sobre tela
100 x 100 cm

Emma Grau nació en Barcelona en 1963, donde todavía reside y trabaja. Su pintura pretende devolver al hombre al pasado a través de la nostalgia y de colores apagados pero vivos para llegar a la contradicción. Algunas de sus obras se encuentran en la Galería Javier Román (Málaga) y en la Fundación Villa Casas (Barcelona). No obstant això, és important recalcar que les obres de Grau es van exposar a Els Quatre Gats de Barcelona el 1988, i també a altres galeries de l’estranger, com ara: la Galeria Empire Art de Magúncia, a Alemanya, el 2002 i el 2003; a la Galeria Long and Ryle a Londres el 1993, i al Museu Toulouse-Lautrec a França el 1989, entre moltes altres galeries destacables.

Emma Grau

Barcelona, 1963

Heráldica
1996

Óleo sobre tela
100 x 100 cm

Emma Grau nació en Barcelona en 1963, donde todavía reside y trabaja. Su pintura pretende devolver al hombre al pasado a través de la nostalgia y de colores apagados pero vivos para llegar a la contradicción. Algunas de sus obras se encuentran en la Galería Javier Román (Málaga) y en la Fundación Villa Casas (Barcelona). No obstant això, és important recalcar que les obres de Grau es van exposar a Els Quatre Gats de Barcelona el 1988, i també a altres galeries de l’estranger, com ara: la Galeria Empire Art de Magúncia, a Alemanya, el 2002 i el 2003; a la Galeria Long and Ryle a Londres el 1993, i al Museu Toulouse-Lautrec a França el 1989, entre moltes altres galeries destacables.

Grau_Emma-Sense_titol

Emma Grau

Barcelona, 1963

Sin título
1997

Óleo sobre tela
150 x 150 cm

Emma Grau nació en Barcelona en 1963, donde todavía reside y trabaja. Su pintura pretende devolver al hombre al pasado a través de la nostalgia y de colores apagados pero vivos para llegar a la contradicción. Algunas de sus obras se encuentran en la Galería Javier Román (Málaga) y en la Fundación Villa Casas (Barcelona). No obstant això, és important recalcar que les obres de Grau es van exposar a Els Quatre Gats de Barcelona el 1988, i també a altres galeries de l’estranger, com ara: la Galeria Empire Art de Magúncia, a Alemanya, el 2002 i el 2003; a la Galeria Long and Ryle a Londres el 1993, i al Museu Toulouse-Lautrec a França el 1989, entre moltes altres galeries destacables.

Hugue_Manolo_Dona_asseguda

Manolo Hugué

Barcelona, 1872 - Caldes de Montbui, 1945

Mujer sentada
Sin fecha

Bronce
24,4 x 35,5 cm

Hugué, nacido en Barcelona en 1872, estudió en la Llotja y frecuentó Els Quatre Gats donde conoció a artistas como Ramon Casas, Santiago Rusiñol o Isidre Nonell. En 1900 se trasladó a París, donde conoció a Picasso y a otros artistas de vanguardia. S’instal·là a Ceret el 1910 i allà va compaginar la pintura amb l’escultura; es va convertir en un dels màxims representants del noucentisme català.

Lluís Lleó

Barcelona, 1961

Between
1999

Técnica mixta sobre tela
183 x 213 cm

Lluís Lleó es un escultor y pintor barcelonés que nació en 1961 y actualmente reside y trabaja en la ciudad de Nueva York, en Estados Unidos. Su obra oscila entre la tradición más estricta y la modernidad más radical. Entre sus piezas predomina el minimalismo y las geometrías orgánicas. Una de sus exposiciones más importantes es “Morpho's Nest in a Cadmiun House”, en 2017 en Park Avenue, donde instaló una serie de esculturas de casi cuatro metros de altura. Por mencionar algunas de sus exposiciones en el extranjero, las más relevantes son: la participación en la Galería Felix Ringel en 2005, en la Kinsborough Community College de Carolina del Norte en 2001 y la Galería Velge & Noirhomme en Bruselas en 1999.

Tom Carr

Tarragona, 1956

IRIS
2021

Madera DM y pintura

200 x 200 cm

Nacido en Tarragona, de madre valenciana y padre norteamericano, vive y trabaja en el Vallès y Barcelona. Doctor en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona, ha sido docente en la Escuela Massana, Blanquerna, UIC Barcelona y la School of Visual Arts de Nueva York. Da conferencias y talleres en museos y centros educativos del Estado, de Europa y de los Estados Unidos. Ya desde sus inicios, a principios de los 80, ha trabajado instalaciones, escultura, pintura y dibujo, y abarcan desde una figuración simbólica con referentes arquitectónicos hasta estructuras casi ingrávidas, generadas por la física de los materiales, siempre buscando la contundencia dentro de la simplicidad. También la luz es un elemento protagonista en muchas de sus obras, desde las proyecciones analógicas en la Seu Vella de Lleida o en el espacio Arts Santa Mònica, hasta las de ámbito digital del Streaming Museum de Nueva York. Su obra figura en museos y colecciones públicas de todo el mundo: MACBA, MAMT, Museo Reina Sofía, Museo de Arte Moderno de Céret, Société Générale en París y Fundación la Caixa, entre otros.

IRIS nos da la bienvenida en la entrada de la Facultad de Ciencias de la Educación, en el Campus Sant Cugat de UIC Barcelona. Es un gran anillo circular anclado a la pared, formado por la suma de 24 piezas independientes dispuestas en forma radial, con una pequeña distancia entre ellas. Todas han sido cortadas a mano, con curvas claras y dinámicas, y pintadas en vibrantes colores El naranja y el amarillo nos hablan de la salida del sol, un nuevo día, el futuro. Los verdes, del crecimiento, de vegetación, de expansión. Alguna pequeña zona más oscura denota que a veces las cosas no son tan fáciles y resalta el brillo de los otros colores. Los límites entre los campos de color se funden, y apuntan a la flexibilidad y la adaptación, actitudes a menudo necesarias para aprender. También las pequeñas variaciones de distancia entre algunas piezas nos recuerdan el equilibrio entre conservar la individualidad y la combinación en un todo armónico a partir de la suma de elementos. Esta obra toma el nombre de la parte del ojo que ayuda a la pupila a regular la luz que le entra y a enfocar con claridad. IRIS nos abre a interpretaciones, entre ellas el optimismo, el crecimiento y la voluntad de futuro.

Llimona_Josep_Atribuit_Sant_Josep_amb_el_nen

Atribuido a Josep Llimona

Barcelona, 1864 - Barcelona, 1934

Sant José con el niño
Sin fecha

Mármol
72 x 23 x 19,5 cm

Josep Llimona, nacido en Barcelona en 1864 y formado en La Llotja, fue uno de los escultores más importantes del modernismo catalán. Llimona estudió en Roma en 1880 tras conseguir la Pensión Fortuny y posteriormente llegó a París, donde se nutrió del Art Nouveau. En 1893, junto con su hermano Joan Llimona, fundó el Centro Artístico de Sant Lluc. Sus obras tomaron un rumbo diferente tras la muerte de su mujer, se focalizaron en el simbolismo y reflejaban el estado de ánimo melancólico de la figura femenina, como Desconsol (1907).

Llimona_Josep_Atribuit_Verge_pregant

Atribuido a Josep Llimona

Barcelona, 1864 - Barcelona, 1934

Virgen rezando
Sin fecha

Yeso
17 x 17 x 46 cm

Josep Llimona, nacido en Barcelona en 1864 y formado en La Llotja, fue uno de los escultores más importantes del modernismo catalán. Llimona estudió en Roma en 1880 tras conseguir la Pensión Fortuny y posteriormente llegó a París, donde se nutrió del Art Nouveau. En 1893, junto con su hermano Joan Llimona, fundó el Centro Artístico de Sant Lluc. Sus obras tomaron un rumbo diferente tras la muerte de su mujer, se focalizaron en el simbolismo y reflejaban el estado de ánimo melancólico de la figura femenina, como Desconsol (1907).

Margalef_Manuel-Sense_titol_A

Manel Margalef

Amposta, 1963

Sin título
1996

Técnica mixta sobre tela
75 x 54 cm

La obra de Manel Margalef es una obra en la que se plasma el paisaje interior del artista y la incertidumbre de la propia existencia. Sus piezas son piezas personales en las que se refleja la centralidad de conceptos como la memoria o las construcciones y deconstrucciones de la identidad.

Margalef es doctor en Bellas Artes y licenciado en Historia del Arte por la Universidad de Barcelona. Este artista es profesor en la Escuela de Arte y Diseño de la Diputación de Tarragona, además de ser docente en el Departamento de Pedagogía de la Universitat Rovira i Virgili.

Durante el transcurso de su trayectoria ha exhibido sus obras en varias exposiciones individuales y colectivas, entre las que destacan la Feria de Arte Contemporáneo de Santander en la Galería Cánem (2003-2010), el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (2005), El Arte Forum de Berlín (2000) o la Galería Almirante de Madrid (2004). Además, las obras de Manel Margalef han sido reconocidas en diversas ocasiones. Recibió el premio de pintura de la Bienal de Arte Ciudad de Amposta (1991), el XXVIII Premio Julio Antonio de Escultura de la Bienal de Arte de la Diputación de Tarragona (1996), el Premio Baix Camp (2000) y el Premio de la IV Bienal de Artes Plásticas Rafael Botí (2003).

Manel Margalef

Amposta, 1963

Sin título
1996

Técnica mixta sobre tela
75 x 54 cm

La obra de Manel Margalef es una obra en la que se plasma el paisaje interior del artista y la incertidumbre de la propia existencia. Sus piezas son piezas personales en las que se refleja la centralidad de conceptos como la memoria o las construcciones y deconstrucciones de la identidad.

Margalef es doctor en Bellas Artes y licenciado en Historia del Arte por la Universidad de Barcelona. Este artista es profesor en la Escuela de Arte y Diseño de la Diputación de Tarragona, además de ser docente en el Departamento de Pedagogía de la Universitat Rovira i Virgili.

Durante el transcurso de su trayectoria ha exhibido sus obras en varias exposiciones individuales y colectivas, entre las que destacan la Feria de Arte Contemporáneo de Santander en la Galería Cánem (2003-2010), el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (2005), El Arte Forum de Berlín (2000) o la Galería Almirante de Madrid (2004). Además, las obras de Manel Margalef han sido reconocidas en diversas ocasiones. Recibió el premio de pintura de la Bienal de Arte Ciudad de Amposta (1991), el XXVIII Premio Julio Antonio de Escultura de la Bienal de Arte de la Diputación de Tarragona (1996), el Premio Baix Camp (2000) y el Premio de la IV Bienal de Artes Plásticas Rafael Botí (2003).

Margalef_Manuel_Sense_titol_C

Manel Margalef

Amposta, 1963

Sin título
1996

Técnica mixta sobre tela
75 x 54 cm

La obra de Manel Margalef es una obra en la que se plasma el paisaje interior del artista y la incertidumbre de la propia existencia. Sus piezas son piezas personales en las que se refleja la centralidad de conceptos como la memoria o las construcciones y deconstrucciones de la identidad.

Margalef es doctor en Bellas Artes y licenciado en Historia del Arte por la Universidad de Barcelona. Este artista es profesor en la Escuela de Arte y Diseño de la Diputación de Tarragona, además de ser docente en el Departamento de Pedagogía de la Universitat Rovira i Virgili.

Durante el transcurso de su trayectoria ha exhibido sus obras en varias exposiciones individuales y colectivas, entre las que destacan la Feria de Arte Contemporáneo de Santander en la Galería Cánem (2003-2010), el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (2005), El Arte Forum de Berlín (2000) o la Galería Almirante de Madrid (2004). Además, las obras de Manel Margalef han sido reconocidas en diversas ocasiones. Recibió el premio de pintura de la Bienal de Arte Ciudad de Amposta (1991), el XXVIII Premio Julio Antonio de Escultura de la Bienal de Arte de la Diputación de Tarragona (1996), el Premio Baix Camp (2000) y el Premio de la IV Bienal de Artes Plásticas Rafael Botí (2003).

Queralt_Santi_AM

Santi Queralt

Barcelona, 1961

A. M.
1999

Óleo sobre tela
175 x 175 cm

Santi Queralt es un artista multidisciplinario capaz de reformular y transportar las técnicas pictóricas hacia la abstracción. Sus obras trazan un amplio juego de texturas, colores, gestualidades que reflejan armonía y vitalidad a la vez que consiguen plasmar que el tiempo es efímero. Las composiciones de este artista se convierten en una constelación de cuerpos geométricos que permiten que los espectadores se adentren en un cosmos prácticamente onírico donde las diferentes tonalidades generan sentimientos y emociones. Mediante el uso de diferentes materiales y técnicas, los espectadores son lanzados a un espacio donde el tiempo deja de ser el centro de la existencia. Las obras de Santi Queralt reflejan la subjetividad y a la vez son las manifestaciones de la visión interior del propio artista.

Queralt estudió en la Facultad de Bellas Artes de Sant Jordi (Barcelona) y fue seleccionado para participar en varias bienales y exposiciones tanto individuales como colectivas. Entre las que destacan la exposición “Barcelona in der Gegenwart”, en la Galería Rathaus de Berlín, o la exposición individual en la Galería Spark Art en Den Bosch (Holanda). Es un artista reconocido internacionalmente y en 1984 fue galardonado con el primer premio de pintura “Amics de les Arts” de Terrassa.

Resbier_Eduard-Sense_titol

Eduard Resbier

Barcelona, 1968

Sin título
1995

Óleo sobre tela
81 x 99,5 cm

A través de un conocimiento exhaustivo de técnicas como el dibujo o la pintura al óleo, Eduard Resbier ha sido capaz de crear un universo basado en la abstracción y en el que el tiempo y el no-tiempo componen las nuevas estructuras de la naturaleza. Profundamente influenciadas por la fotografía, sus obras plasman una nueva concepción de la realidad en la que la subjetividad va mucho más allá de las perspectivas obtenidas por nuestros sentidos. A través de registros visuales, los tonos monocromáticos y los juegos de grises, el artista confecciona atmósferas distorsionadas de destrucción y desorden. Este hecho ha permitido que algunos críticos calificaran las obras de Resbier de neorománticas y como una versión poscontemporánea de las creaciones de artistas como Friedrich, Turner o Constable. Sus composiciones están llenas de impactos lumínicos, visiones imaginarias, paisajes naturales y de personas que penetran en nuestra realidad a través de sus miradas, inciertas, pero llenas de vida. Las obras de Resbier ilustran y reflejan los sentimientos y la visión más íntima y personal del autor.

Desde el inicio de 1990, Eduard Resbier ha realizado innumerables exposiciones individuales y colectivas en algunas de las galerías de arte más influyentes del panorama artístico mundial. En 1993 recibió la beca de Artes Plásticas de la Fundación Banesto. Además, muchos de sus trabajos forman parte de colecciones de algunas de las más célebres instituciones del ámbito nacional e internacional.

Eduard Resbier

Barcelona, 1968​

Sin título
1998

Óleo sobre tela
130 x 194 cm

A través de un conocimiento exhaustivo de técnicas como el dibujo o la pintura al óleo, Eduard Resbier ha sido capaz de crear un universo basado en la abstracción y en el que el tiempo y el no-tiempo componen las nuevas estructuras de la naturaleza. Profundamente influenciadas por la fotografía, sus obras plasman una nueva concepción de la realidad en la que la subjetividad va mucho más allá de las perspectivas obtenidas por nuestros sentidos. A través de registros visuales, los tonos monocromáticos y los juegos de grises, el artista confecciona atmósferas distorsionadas de destrucción y desorden. Este hecho ha permitido que algunos críticos calificaran las obras de Resbier de neorománticas y como una versión poscontemporánea de las creaciones de artistas como Friedrich, Turner o Constable. Sus composiciones están llenas de impactos lumínicos, visiones imaginarias, paisajes naturales y de personas que penetran en nuestra realidad a través de sus miradas, inciertas, pero llenas de vida. Las obras de Resbier ilustran y reflejan los sentimientos y la visión más íntima y personal del autor.

Desde el inicio de 1990, Eduard Resbier ha realizado innumerables exposiciones individuales y colectivas en algunas de las galerías de arte más influyentes del panorama artístico mundial. En 1993 recibió la beca de Artes Plásticas de la Fundación Banesto. Además, muchos de sus trabajos forman parte de colecciones de algunas de las más célebres instituciones del ámbito nacional e internacional.

Gemma Riba-Roca

Igualada, 1934

Sin título

Acuarela sobre papel
73 x 59 cm

A través del uso de colores suaves, amables y cálidos, la obra de Gemma Riba Roca evoca la ternura y transporta a los espectadores a unos parajes apacibles y serenos. Esta artista poliédrica ha trabajado en varias disciplinas artísticas como la cerámica, los aceites o la acuarela. Se licenció en Bellas Artes en la Real Academia de Bellas Artes de Sant Jordi (Barcelona) y desde entonces, siempre ha estado íntimamente vinculada con el arte. Ha ilustrado varios libros y es la autora de Cristina quiere amar. Gemma Riba Roca ha realizado tareas de decoración de interiores y escaparatismo. Además, ha recibido varios reconocimientos como la medalla de plata de acuarela del Grupo CECIARS de Barcelona y el primer premio del Sindicato de Iniciativa de Burdeos. Su obra ha formado parte de varias exposiciones tanto del ámbito nacional como internacional, entre las que se puede destacar la exposición colectiva de la Exposición Internacional de Washington (1967), la exposición colectiva en el Salón de las Naciones de París (1984) o la exposición individual en la Moraleja de Madrid en 1982.

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Gemma Riba-Roca

Igualada, 1934

Sin título

Acuarela sobre papel
73 x 59 cm

A través del uso de colores suaves, amables y cálidos, la obra de Gemma Riba Roca evoca la ternura y transporta a los espectadores a unos parajes apacibles y serenos. Esta artista poliédrica ha trabajado en varias disciplinas artísticas como la cerámica, los aceites o la acuarela. Se licenció en Bellas Artes en la Real Academia de Bellas Artes de Sant Jordi (Barcelona) y desde entonces, siempre ha estado íntimamente vinculada con el arte. Ha ilustrado varios libros y es la autora de Cristina quiere amar. Gemma Riba Roca ha realizado tareas de decoración de interiores y escaparatismo. Además, ha recibido varios reconocimientos como la medalla de plata de acuarela del Grupo CECIARS de Barcelona y el primer premio del Sindicato de Iniciativa de Burdeos. Su obra ha formado parte de varias exposiciones tanto del ámbito nacional como internacional, entre las que se puede destacar la exposición colectiva de la Exposición Internacional de Washington (1967), la exposición colectiva en el Salón de las Naciones de París (1984) o la exposición individual en la Moraleja de Madrid en 1982.

Riba-Roca_Gemma-Sense_titol_C

Gemma Riba-Roca

Igualada, 1934

Sin título

Acuarela sobre papel
73 x 59 cm

A través del uso de colores suaves, amables y cálidos, la obra de Gemma Riba Roca evoca la ternura y transporta a los espectadores a unos parajes apacibles y serenos. Esta artista poliédrica ha trabajado en varias disciplinas artísticas como la cerámica, los aceites o la acuarela. Se licenció en Bellas Artes en la Real Academia de Bellas Artes de Sant Jordi (Barcelona) y desde entonces, siempre ha estado íntimamente vinculada con el arte. Ha ilustrado varios libros y es la autora de Cristina quiere amar. Gemma Riba Roca ha realizado tareas de decoración de interiores y escaparatismo. Además, ha recibido varios reconocimientos como la medalla de plata de acuarela del Grupo CECIARS de Barcelona y el primer premio del Sindicato de Iniciativa de Burdeos. Su obra ha formado parte de varias exposiciones tanto del ámbito nacional como internacional, entre las que se puede destacar la exposición colectiva de la Exposición Internacional de Washington (1967), la exposición colectiva en el Salón de las Naciones de París (1984) o la exposición individual en la Moraleja de Madrid en 1982.

Carles Roig

Barcelona, 1960

Número 1
1996

Óleo y barniz sobre lienzo
100 x 100 cm

Carles Roig es un artista polifacético cuya obra incluye tanto pintura como escultura. Se graduó en Bellas Artes en la Universidad de Barcelona y, desde entonces, sus piezas han formado parte de exposiciones en varias galerías de arte tanto del ámbito nacional como internacional, entre las que destacan las exposiciones en la Galería Kerlin de Dublín, en la Galería Ambrosino de Miami, en la Galería Hong Kong de Hong Kong o el Círculo Ecuestre de Barcelona.

La obra de este artista barcelonés es minimalista y clara. El uso de figuras geométricas perfectas genera una sensación de armonía y orden que remite a la idea de unidad. A través del uso de tonalidades intensas y brillantes —por ejemplo, el uso de azules, blancos, amarillos, rojos, negros o grises—, Carles Roig crea un universo vibrante y lleno de vitalidad en el que se refleja un juego entre conceptos, materiales, texturas y colores que hacen de cada pieza una composición única, original, innovadora.

Romero_Rafael_Istanbul

Rafael Romero

Estambul
1995

Técnica mixta sobre tela
100 x 162 cm (díptico)

Rafael Romero es un artista innovador. Sus obras reflejan la ilusión y los estímulos a partir de los cuales pudo crearlas. Romero se autoproclama un artista visceral, que solo pinta cuando la inspiración y las musas del arte se lo piden. Para él, la pintura se concibe como un juego entre colores, materiales, ideas y herramientas que buscan un resultado armónico y equilibrado tanto en las obras abstractas como en las figurativas.

Romero_Rafael_Istanbul_02

Rafael Romero

Estambul
1995

Técnica mixta sobre tela
73 x 60 cm

Rafael Romero es un artista innovador. Sus obras reflejan la ilusión y los estímulos a partir de los cuales pudo crearlas. Romero se autoproclama un artista visceral, que solo pinta cuando la inspiración y las musas del arte se lo piden. Para él, la pintura se concibe como un juego entre colores, materiales, ideas y herramientas que buscan un resultado armónico y equilibrado tanto en las obras abstractas como en las figurativas.

Romero_Rafael_Mandala

Rafael Romero

Mandala
1996

Técnica mixta sobre papel de algodón y bastidor
27 x 27 cm

Rafael Romero es un artista innovador. Sus obras reflejan la ilusión y los estímulos a partir de los cuales pudo crearlas. Romero se autoproclama un artista visceral, que solo pinta cuando la inspiración y las musas del arte se lo piden. Para él, la pintura se concibe como un juego entre colores, materiales, ideas y herramientas que buscan un resultado armónico y equilibrado tanto en las obras abstractas como en las figurativas.

Sagnier_Manel_Sense_titol

Manel Sagnier

Barcelona, 1891 - Barcelona, 1976

Masia catalana con árboles
Sin fecha

Óleo sobre tela
53 x 65 cm

Manuel Sagnier Vidal, nacido en Barcelona en 1891, fue un importante pintor catalán formado en la academia Baixas. Debutó en 1931 en las Galerías Laietanes de Barcelona antes de viajar por Europa y Estados Unidos por motivos formativos. De nuevo en la ciudad condal, comenzó a exponer frecuentemente en galerías como La Pincoteca en los años 1955 y 1966, así como también en la Sala Rovira, en 1954, el Salón Cano de Madrid, en 1954, y la Sala Busquets, en 1956. Participó en las Exposiciones Nacionales de los años 1942, 1944 y 1950. Su obra gira en torno a los paisajes naturales, a veces acompañados por elementos cotidianos de la vida rural.

Suarez_Juan-Sense_titol_Erta_III

Juan Suárez

El Puerto de Santa María, Cádiz, 1946

Sin título (Erta III)
1999

Técnica mixta sobre madera
160 x 160 cm

Juan Suárez describe su obra de la siguiente forma: “Está sometida a una geometría muy concreta. La situación de cada uno respeta a los demás […]. Esto se expresa en mi obra, la geometría controlada, pero también la descontrolada que aparece y distorsiona el plan. Un orden que destruyo para llegar al caos”.

Las obras de Juan Suárez se caracterizan por la representación de profundas reflexiones personales que introducen al observador en un mundo desconocido en el que la geometría se convierte en una herramienta capaz de abrir las puertas hacia la trascendencia y la espiritualidad.

Estudió Bellas Artes e inició estudios de Arquitectura. Sin embargo, su carrera ha estado ligada a la academia: es profesor honorario del departamento de proyectos de la ETSA y catedrático de dibujo. Además, sus obras han sido expuestas, tanto de forma individual como colectiva, en varios museos nacionales e internacionales. Durante el transcurso de su carrera, Suárez ha recibido varios galardones como el de Dibujo de la Bienal de Nuremberg o el ARTEDER’82.

Joaquim Vayreda

Girona, 1843 - Olot, 1894

Paisaje del Pla d’en Bas con el Puigsacalm al fondo
Sin fecha

Óleo sobre tela
21 x 34 cm

Vayreda, nacido en 1843 en Girona, fue uno de los pintores catalanes más destacados del último tercio del siglo XIX. Tras formarse en Barcelona con Martí Alsina y posteriormente en París, fundó el Centro Artístico de Olot, también conocido como la Escuela de Olot. A diferencia de otros pintores que preferían el centro artístico barcelonés, las obras de Vayreda se caracterizan por representar una cosmovisión atmosférica focalizada a captar la instantaneidad y temporalidad de la naturaleza o de las prácticas sociales del mundo rural.

Xuclà_Josep_Lluís-Books

Josep Lluís Xuclà

Barcelona, 1956

Libros
1997

Óleo sobre tela
91 x 194 cm (díptico)

Desde las últimas décadas del siglo XX, la obra de Josep Lluís Xuclà ha transgredido todos los límites artísticos y ha transformado las clásicas nociones de decoración, iluminación y diseño. Su obra se basa en formas minimalistas y en la armonía entre cada una de las partes de la composición. Xuclà se licenció en Interiorismo en la Escuela de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos Llotja de Barcelona y posteriormente, se inició en el mundo del diseño gráfico. Sin embargo, a partir de la década de los noventa su carrera se centró en la realización de proyectos de iluminación y de decoración de interiores y exteriores desde su fase inicial. Xuclà ha realizado colaboraciones con diversos estudios de arquitectura y paisajismo. Sus obras han sido expuestas en varios espacios, entre los que destacan la Sala Séneca de Barcelona, la Sala Casa del Llimoner en Mataró, La Sala Hispano de Barcelona, el Salón OFITEC de Madrid y la Galería La Sirena de Cadaqués.

Sus obras forman parte de varias colecciones tanto del ámbito nacional, (por ejemplo, la de la Universitat Internacional de Catalunya o la del Restaurante Windsor de Barcelona) como del ámbito internacional, como la de Ahrend, en Holanda. Además, las composiciones de Xuclà han sido premiadas en varias ocasiones con galardones como el Red Dot Design Award (2005), el Good Design Award (2008) o el If Product Design Award (2006).

Ynglada_Pere_Curses_a_l_hipodrom

Pere Ynglada i Sallent

Santiago de Cuba, 1881 - Barcelona, 1958

Carreras en el hipódromo
Sin fecha

Tinta china y acuarela
43 x 37 cm

Pedro Ynglada nació en Santiago de Cuba en 1881. Fue un importante dibujante que recibió formación académica en el Círculo Artístico de Sant Lluc, en Barcelona, un centro artístico propulsado por los hermanos Llimona. Colaboró como dibujante en revistas históricas como L’Esquella de la Torratxa y la revista Iberia, y también fue amigo de pintores vanguardistas como Juan Gris y Josep Sunyer durante su estancia de más de treinta años en París. Ynglada expuso en importantes centros artísticos de Barcelona como la Sala Parés en 1906 y las Galerías Laietanes en 1914. Sus dibujos giraban en torno a temáticas circenses, animales y detalles de la vida urbana y se caracterizan por tener un trazo muy depurado.

Autor_desconegut_Pentecosta

Autor desconocido

Pentecostés

Autor desconocido

Bordado del 1734

UIC 25 anys
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